Percusión Koreana

PYEONGYEONG
El pyeongyeong está construido en dos alturas con 8 piezas en cada una de ella teniendo 16 tonos diferentes.
El instrumento proviene de China de la dinastía del Rey Sejong (1418-1450) después fué construido en Korea. No sufre en exceso los cambios de temperatura y humedad.

 

  

PYEONJONG

Consiste en un set de 16 campanas de bronce que se tocan melódicamente.
Las campanas están colgadas en una estructura.
Es un instrumento importante en los rituales desde tiempos ancestros.

 

BANGHYANG

The banghyang está construido por 16 piezas de metal en dos alturas con 8 piezas cada una que suelen estar laboriosamente decoradas. El rango del instrumento es idéntico al del pyeongyeong.

ULLA

La ulla está construida por 10 platos redondos de cobre colgados en una estructura de madera. Se suele usar en Chuita con otros instrumentos de origen Chino. No se sabe exactamente cuando se llevó el instrumento a Korea pero es aproximadamente sobre el siglo XIX. 

TEUKJONG

El teukjong consiste en una larga campana suspendida de una estructura ornamentada de madera, la campana está en la nota C y era utilizada en el comienzo del deungga (terrace orchestra) y del hunga (courtyard orchestra)

                                                                                                                                                             JANGGU 
Es uno de los instrumentos mas importantes en la música Coreana.
Tradicionalmente se usa tocando un yeolchae en la derecha. Se usa en canciones folklóricas y rituales.

BUK
El buk es uno de los mas antiguos instrumentos tradicionales de Korea, data de las primeras dinastías. El buk existe en varias formas y tamaños. Se usa en la música folclórica y acompañando a voces.
El percusionista se sienta en el suelo y toca el instrumento con la mano y una baqueta.

Janggu o Janggo (hangul: 장고 or 장구; hanja: 杖鼓 or 長鼓)
Galgo (hangul: 갈고; hanja: 羯鼓)
Jingo (hangul: 진고; hanja: 晉鼓)
Jeolgo (hangul: 절고; hanja: 節鼓)
Jwago (hangul: 좌고; hanja: 座鼓)
Geongo (hangul: 건고; hanja: 建鼓)
Yonggo (hangul: 용고; hanja: 龍鼓)
Eunggo (hangul: 응고; hanja: 應鼓)
Sakgo - (hangul: 삭고; hanja: 朔鼓)
Gyobanggo (hangul: 교방고; hanja: 敎坊鼓)
Junggo (hangul: 중고; hanja: 中鼓)
Sogo (hangul: 소고; hanja: 小鼓)
Nogo (hangul: 노고; hanja: 路鼓)
Nodo (hangul: 노도; hanja: 路鼗)
Yeongdo (hangul: 노도; hanja:靈鼗)
Noedo (hangul: 뇌도; hanja: 雷鼗))
Noego (hangul: 뇌고; hanja: 雷鼓)
Do (도)

UH

Hecho de madera es probablemente el único instrumento en el mundo que está construido commo si fuera un Tigre. Forma parte de la Confucian Shrine Ceremony y de la Royal Ancestral Shrine Ceremony, junto con el Chuk, el uh sse usó en Korea durante la dinastía de Koryo. 

 

BAK

El bak está formado por 6 piezas de madera que se entrechocan para formar un sonido. Se usa generalmente al principio y al final de las piezas musicales asi como en los cambios. 

Se usa desde la dinastía de Shilla, hoy es usado sólo en Botaepyong y Jeongdaeyop.

 

CHUK

El chuk está construido con la forma de una caja con un agujero redondo en la parte superior, el sonido es producido con un palo de madera que se introduce o golpea. 

El instrumento se usó en Korea durante la dinastía de Koryo y hoy es usado en la Confucian Shrine Ceremony y la Royal Ancestral Shrine Ceremony.

JABARA 
El jabara es un set compuesto por dos esferas de metal. The bal, yobal, dongbal y hyangbal son las formas de este instrumento.  Se usa en daechuita y en rituales así como en las marchas militares.

JING
El geumjing, na, geumna, y geum difieren solo por su tamaño.
El jing es se suspende de una estructura de madera y es un gong de metal redondo.
El instrumento se usa en daechuita, acompañando al baile y en música rural.

 

BU

El material de este instrumento es la cerámica, se toca con un palo de bambú de 9 piezas que produce el sonido.

Se introdujo en la dinastía china de Ju pero no se sabe exactamente cuando llegó a Korea.

SOGEUM
Llamado también ggwaenggwari, ggwaengmaegi y ggwaengsoiri.

Percusión China

Durante 2.500 años, la cultura de ese país estuvo dominada por las enseñanzas del filósofo Confucio, que concebía la música, en su más elevado sentido, como un medio de calmar las pasiones y asegurar la armonía pública, en lugar de una forma de entretenimiento.

Tradicionalmente, los chinos también han creído en la influencia que ejerce el sonido en la armonía del universo.

La mayor parte de la música china se basa en una escala de cinco tonos, o pentatónica, aunque también se utiliza la escala heptatónica (de siete notas) como una expansión de un núcleo pentatónico básico, mientras que la escala pentatónica ha sido muy utilizada en la música antigua. La música heptatónica suele encontrarse en el folclore del norte de la China.

Los instrumentos musicales chinos han sido clasificados tradicionalmente según los materiales utilizados en su construcción; éstos son el metal, la piedra, la seda, el bambú, la calabaza, la arcilla, el cuero y la madera. Entre los instrumentos más antiguos figuran las cítaras largas, las flautas, las flautas de Pan, el shêng, u órgano de boca, y los instrumentos de percusión como los badajos, tambores y gongs. De origen posterior son los diferentes laúdes y violines que llegaron a China desde el Asia central.

Entre los distintos géneros de música china destaca una forma de drama musical al que suele denominarse ópera china.

La música tradicional china se ha desarrollado de dos formas diferentes en la Republica de China en Taiwan. La primera se origino a partir de la música tradicional interpretada por grupos de artistas de tipo tradicional compuestos normalmente por entre tres y cinco personas, diez como máximo. Sus miembros suelen ser de edad avanzada e interpretan sobre todo melodías tradicionales y fragmentos de operas tradicionales chinas. Este tipo de música despierta en el oyente la simpatía hacia los ritmos de la vida cotidiana en la China rural.

YANG - CHIN

Único instrumento de cuerdas y percusión.
Yang-chin significa un hilo de seda, un pedazo de bambú.

Fué introducido en China recién durante la dinastía Ming, su forma se asemeja a una mariposa y por esa razón, se le denominó chin mariposa, originalmente el chin o laúd extranjero.
El yang-chin actual difiere en apariencia del original. Por su forma externa, arreglo de las notas y alcance, el yang-chin puede clasificarse acuerdo al número de cuerdas, habiendo tipos con 8, 9, 10, 13 y 14 filas.
Actualmente existe también el yang-chin de polea, se le añade una pequeña polea a un costado del instrumento  para afinarlo o facilitar el cambio de clave.

El yang-chin tiene una caja aplanada en forma escalonada hecha de madera de álamo, que sirve como caja de resonancia. Se recorta un pequeño orificio en la parte frontal para que sirva como hoyo de sonido. Se colocan varios puentes sobre la caja de resonancia. Los yang-chin se dividen en tipos de 3 y 4 puentes. Las cuerdas del instrumento están hechas de acero, generalmente acero inoxidable. Por otro lado, hay un mazo de bambú que se usa para tocar las cuerdas. El mazo está hecho con láminas de bambú, y debe ser suave y altamente flexible. En la parte delantera tiene un pequeño pedazo de esponja, cuero artificial o cinta adhesiva, y es la parte que entra en contacto con las cuerdas.

GONG

Un gran disco metálico habitualmente, de bronce con los bordes curvados hacia adentro, que se percute con un mazo. Generalmente se suspende verticalmente de un soporte.
Existie un gong grande, un gong pequeño, el rítmico yun-lo o gong de nubes, el gong de de 10 caras y el gong de 36 caras.

La mayoría tienen una elevación en el centro, situando el punto en que se ha de golpear y será el punto de origen de la vibración que genera el sonido, por lo general, grave y lúgubre. No obstante, a pesar de ser un instrumento relativamente grande, tiene muchas posibilidades de matices: desde un pianísimo a un fortísimo.

La técnica original de tocar con una sola mano y un mazo ha sido reemplazado por la técnica de tocar con dos manos, dando más flexibilidad al instrumento. Con frecuencia, se toca el gong junto con tambores, combinando el sonido de los dos instrumentos para crear esa inequívoca atmósfera china de regocijo y celebración.

El Tambor o KU

Son múltiples las aplicaciones del tambor o ku y también existen muchas variedades de tambores con diferentes nombres.

En la actualidad, los más comunes son los tambores grandes, tambores pequeños y tambores alineados.
La estructura de los tambores es bastante similar, todos tienen dos pedazos de cuero de res estirados en el tope y fondo de un armazón de madera. La cara del tambor es firme, pero tiene flexibilidad.
Se coloca generalmente sobre una base de madera mientras se toca con palillos de madera para producir el sonido.

Tan-ta o golpe sencillo usa un solo palillo para tocar el tambor.
Hsuan-ta o golpe doble usa dos palillos para golpear el tambor al mismo tiempo.
Meng-ta o golpe sofocado consiste en colocar un palillo o la palma de la mano sobre la cara del tambor, mientras lo golpea con otro palillo.
Tun-ying o staccato es golpear el tambor e inmediatamente colocar la mano en la cara del tambor para detener el sonido.
Ya-chi o golpe con presión consiste en golpear el tambor y no levantar el palillo inmediatamente sino que se presiona sobre la cara del tambor.
Yao-chi o golpe oscilatorio es sostener el palillo en cada mano y menear o sacudir la muñeca al mismo tiempo para que el tambor produzca un sonido restringido.
Kun-chin o ritmo rodante usa los dos palillos para golpear alternadamente el tambor, en forma continua y rápida. Golpear con el palillo en diferentes partes de la cara del tambor produce diferentes sonidos, permitiendo diferentes tonos.
Por lo general, el sonido en el medio del tambor es relativamente bajo y mientras más se acerca al borde, el sonido es más alto y firme.

Debido a que cada círculo concéntrico empezando desde el medio y con dirección al borde produce un tono diferente, uno puede usar esos cambios cuando toca para describir diferentes tipos de imágenes o presenta todo tipo de emociones.

CAMPANA PAGODA CHUNG 

Las campanas Chung eran utilizadas para anunciar la llegada del rey o también al principio de las ceremonias budistas o caodistas.
Los ejemplares más antiguos que poseemos son campanas chinas que datan del primer milenio a.C.
Material : Bronce

 

  

CAMPANA PAGODA MO CHUA 5 cm

En pagodas orientales se utilizan en ceremonias religiosas. Su sonido es rotundo, profundo, cálldo y mágico a la vez. Construidas en madera. 

CAMPANA PAGODA MO CHUA 32 cm

CUENCO TIBETANO

 CRÓTALO TIBETANO

GAKU DAIKO

CARRILLONES DE PIEDRA
Están integrados por una serie de 16 piezas de diferentes grosores y tamaño con notas propias. Están ordenados en medias notas, en dos filas de ocho piezas cada una. Existen doce tipos de tung-ching o carrillones de bronce. El sonido que producen es seco y claro, y su tono es cálido. Es uno de los instrumentos musicales chinos que producen el sonido más fino. 

 

Músicos relevantes de Tabla India

Ustad Ahmedjan Thirakwa

Thirakwa ha nacido en una familia de músicos en Moradabad, Uttar Pradesh State.  Comenzó lecciones de música vocal muy jóven con Ustad Mithoo Khan. Ha tomado también lecciones de saramgi con su padre Hussain Bux.  Ahmad Jan empezó realmente a tocar la tabla cuando conoció a Ustad Munir Khan.  Tomó pequeñas lecciones con sus tías Sher Khan, Faiyaz Khan y Bashwa Khan.
Thirakwa comenzó a estudiar con Ustad Munir Khan cuando tenía 12 años. Desde entonces el puso su corazón a practicar este instrumento. Ustad Munir Khan lo hacía practicar 16 horas al día, dedicaba 6 horas a dormir.
Su debut fué en Khetbadi, Bombay con 16 años, fué cuando empezó a ser un conocido en el norte de India. En 1936 hizo un corto musical.

En sus 30 años de carrera ha acompañado a grandes músicos de su época creó material para los diferentes gharanas, él continuó el Laliyana parampara del Farukhabad gharana.

Otros Laliyana músicos son Ustad Amir Hussain, Ustad Nizamuddin Khan, Ghulam Hussain, Shamsuddin y Nikhil Ghosh.



Alla Rakha

Alla Rakha nació en Paghwar, Jammu, India. El comenzó a fascinarse con el sonido de la tabla a los 12 años empezando con su tío en Gurdaspur.Empezó a estudiar con Mian Kader Baksh. Estudió voz con Ashiq Ali Khan.

Comenzó su carrera en All India Radio, haciendo un sólo de tabla, poco después compuso canciones para pelíclas de cine Hindú.
Ha acompañado a múscicos como Bade Ghulam Ali Khan, Allauddin Khan, Vasant Rai y Ravi Shankar.
Sus discípulos han sido Yogesh Samsi, Prafulla Athalye, Aditya Kalyanpur, Anuradha Pal, Uday Ramdas, Shyam Kane y sus hijos Taufic y Fazal Qureshi.

Kishen Maharaj

Kishan Maharaj ha nacido en Kabir Chaura, Benaras en una familia de músicos profesionales. Se inició en la música clásica por su padre Hari Maharaj. Después de la muerte de su padre continúo con su tía Kanthe Maharaj, discípulo de Baldeo Sahai de los Benares gharana.

Kishan Maharaj, comenzó a los 11 años a dar conciertos. Ha estado en el escenario con Faiyaz Khan, Omkarnath Thakur, Bade Ghulam Ali Khan, Bhimsem Joshi, Vasant Rai, Ravi Shankar, Ali Akbar Khan, Vilayat Khan y muchos otros, con bailarinas como Sri Shambhu Maharaj, Sitara Devi, Natraj Gopi Krishna y Birju Maharaj.

Suresh Talwalkar

Ha nacido en 1948 en Bombai, se inició a aprender la tabla con su padre Dattatrey Talwalkar, ha acompañado música clásica y bailarinas, suele actuar con Ram Narayan desde 1960 y acompaña a la cantante clásica Ulhas Kashalkar.

Ha actuado en EEUU, Europa, Africa. Está casado con la cantante clásica Padma Talwalkar y tienen un hija que toca la tabla llamada Sauli.

Talvin Singh

Crea e innova fusionando la música india con el drum and bass y la electrónica.
Empeiza a tocar la tabla y el breakdance al igual que escucha Punk Rock. Ha actuado con grupos como Siouxie and the Banshees "Kiss Them for Me" y artistas como Madonna, the Indigo Girls, David Sylvian, Bjork, Sun Ra, Stress, Massive Attack, Future Sound Of  London, Blondie, Jay Z, The Master Musicians of Jajouka y Ustrad Nusrad Fateh Ali Khan.

                                                   John McLaughlin and Shakti

Ritmos básicos de Tabla

Los golpes con los que se hace sonar el instrumento se llaman bol, y tienen nombres de sílabas.
Cada uno de estos bol pueden ser de la mano derecha, de la izquierda o de ambas manos a la vez.
Los nombres de los bol generalmente se conocen por su transcripción fonética, dha en vez de धा, tin en vez de तिं, debido a una mayor facilidad para recordarlos.
Estos bol se agrupan en ritmos, o theka, que transcritos o dichos son serie de sílabas/palabras seguidas que representan los golpes de los que se componen. Es muy común que los intérpretes de tabla reciten en voz alta los thekas que van a tocar justo antes de hacerlo.

 

 

Tocar la tabla La tabla se puede tocar sola o acompañando a otro instrumento. Cuando acompaña a otro instrumento se repite una Theka, un patrón, si es un solo existe un amplio repertorio y numerosas composiciones. Tal Un Tal es un ciclo de un determinado número de bits que se repiten una y otra vez. El sonido producido es el resultado directo del impacto de la mano o los dedos sobre las diferentes partes de la tabla. Teoricamente se puede repetir un Tal del tiempo que queramos, incluyendo medios tiempos 6-1/2 y 8-1/2 tiempo. Los mas populares son: Tintal 16 tiempos divididos en 4-4-4-4 Ektal 12 tiempos divididos en 4-4-2-2 Jhaptal 10 tiempos divididos en 2-3-2-3 Keharva 8 tiempos divididos en 4-4 Rupak, 7 tiempos divididos en 3-2-2 Dadra 6 tiempos divididos en 3-3 Dhamar 14 tiempos divididos en 5-2-3-4 Ada Chautal 14 tiempos divididos en 2-2-2-2-2-2-2. Laya or Lay (Tiempo) El tiempo es generalmente calsificado en 3 layas (velocidad) - Vilambit tiempo lento, usado generalmente para el comienzo de una pieza musical. Madhyam tiempo medio, usado con la pieza empieza a tener un camino. Drut tiempo rápido, occurre en el clímax de la pieza.

Debu Nayak 

Devapriya Nayak (Debu) ha nacido en el este de Bengal, India, comenzó a estudiar tabla a la edad de tres años con su abuelo, Chaudhury Kausalya Nandan. Después dió clase con Pt. Radhakanta Nandi. En 1981, Debu vá a USA para terminar de cursar sus estudios superiores con Maestros como Ustad Zakir Hussain , Pandit Anindo Chattergee y Pt. Samir Chatterjee.

Ha actuado con artistas como Pt. Vinayak Torvi, Pt. Ramesh Mishra, Ustad Fahimuddin Dagar, Habib Wali Mohammad, Asif Ali Khan, Shahanaz Begum, Gaurav Mazumdar, Partha Bose, Mitali Banerjee-Bhawmik, Tulika Ghosh y muchos mas.

 

TEEN TAAL

   

EK TAAL

JHAPTAL

 

RUPAK

 

PESHKAR

 

KAIDA 

  

 RELA

 

Percusíon india

TABLA

También llamado el tablá.
Es el instrumento de percusión más popular de la música clásica del norte de la India, usado no sólo como acompañamiento rítmico sino también como instrumento solista.

La tabla consiste en un pequeño tambor de madera llamado sidda o tabla, tablá, dayan o dahina y otro más grande llamado dagga, bayan.

El sidda se toca con los dedos y palma de la mano derecha, mientras que el dagga se toca con los dedos, palma y muñeca de la mano izquierda.

Dayan significa ‘derecha’
Bayan, ‘izquierda’

Los tambores se acomodan en dos cojines con forma de toroide llamados chutta, hechos de fibra de planta y envueltos de tela.

Ambos tambores tienen un círculo dentro, en la cabeza, compuesto de madera de sándalo o de una pasta especial echa con arroz y polvo de hierro, llamado shai, shahi o syahi, ‘tinta’, que tiene un sonido diferente al de otras partes del tambor, lo que permite mayor versatilidad sonora.

Para entrar en armonía con el solista, normalmente será necesario afinar el dayan con la tónica, la dominante o la subdominante de la tonalidad del solista.

PUNJAB GHARANA
Punjab Gharana a veces llamado Punjabi o Panjabi Gharānā, es un estilo y técnica de Tabla, originario de la región de Punjab, hoy en día dividida entre Pakistán y la India.

Harmonio

El estilo que trabaja es el que aparece al ser ejecutados los acentos rítmicos de la Tabla.
Los talas  característicos de esta gharana son "Kahrwa taal", "mata taal", "pashto taal", "talwaar taal", "dhawerno taal", entre múltiples más, representados por fórmulas rítmicas.

Existen alrededor de 52 Gharanas, que se distribuyen en todo el subcontinente indio, y que caracterizan el propio estilo de cada estado, o región, en donde la predominancia es característica de la fonética musical.

Las Gharanas nacieron dentro de un carácter estricto que se fundamentalizó en India, alrdedor del 1500 d. C., como un sistema de reconocimiento de estilo musical. Aunque previamente a tal fecha habían existido conpectualizaciones sobre las gharanas, las cuales se corría la voz sobre los tecnisismos musicales engendrados en dichas zonas, y en donde las familias o casta de músicos tomaban partido para impulsar en competencias regionales que tipo de gharana era la más competitiva.

Uno de los más grandes maestros provenientes de esta gharana, es el afamado músico Zakir Hussain.

Dholak
Es un tambor muy popular en el norte de India. Es un barril de madera de sheesham, formado por un parche de una sola membrana en un lado y en el otro un parche con un centro compuesto de mezcla de alquitrán, arcilla y arena (masala del dholak). También se toca en Suriname, Guyana, Trinidad, Tobago y Jamaica. Puede tener tensores de hierro o de cuerda.

Pakhawaj 
Es la versión del norte del mridangam de la familia de los membráfonos. Es uno de los tambores más representativos del norte de India.
Los parches son como los de la tabla y puede llevar tensores de hierro o tacos de madera.
Su uso es asociado al estilo vocal del dhrupad y a la danza kathak.
Para la persona diestra el extremo más pequeño se golpea con la mano derecha. Las composiciones son parecidas a las de la tabla.
Se utiliza para acompañar piezas antiguas Dhrupad y Dhammar, en la danza Odisi y en la música Haveli de Rajasthan. 

Ghatam
Este instrumento no es nada más que un pote de arcilla, a veces con incrustaciones metálicas que es muy utilizado para la música clásica india del sur.
Un sonido bajo aireoso, llamado gumki, es creado percutiendo la boca del pote con la mano abierta. El ghatam usualmente acompaña al mridanga. 
Hay dos acciones de resonáncia, una es golpeándo con los dedos y las palmas de las manos, y la otra es cerrando o abriendo el agüjero del ghatam con el estómago.

Ghungroo Bharat Natyam
Son los cascabeles que se utilizan para la danza de bharat natyam, se atan a los tobillos y se utilizan para marcar el ritmo.

Ghungroo Kathak
Son los cascabeles que se utilizan para la danza kathak, se atan a los tobillos y a veces alrededor de la cintura, se utilizan para marcar el ritmo, suelen ir acompañando a la tabla.

Manjira
Juego de platillos utilizado para acompañar el ritmo en danzas como Kathakali. Se suele utilizar
en músicas carnáticas.

Música saharaui

La cultura saharaui, el Azawan, se extiende por una extensa zona del desierto de Sahara, llamada El Bidan, o Trab El Bidan, comprende el territorio del Sáhara Occidental, Mauritania, el norte de Mali y el suroeste de Argelia.

Con el país ocupado por Marruecos y las manifestaciones culturales prohibidas, es la población saharaui en el exilio la que, no sólo conserva el haul –la música de los saharauis-, sino que lo hace evolucionar.

El haul es una música de aluvión, que se ha ido creando con influencias muy diversas: bereber, árabe, sudanesa –traída por las caravanas que cruzaban el desierto de una punta a la otra, y negra, procedente del sur.

                                           MARIEM HASSAM


Dos son los instrumentos básicos: uno de cuerda, la tidinit, y otro de percusión, el t'bal, un tambor tocado casi en exclusiva por mujeres 

Se rige por un sistema modal, constituido por cinco gamas, o modos, a su vez subdivididos en mayor y menor.

 Cuando no hay un guitarrista a mano, las mujeres se bastan con los tebales para cantar sus canciones. Ellas dominan los ritmos, muchos de ellos asimilados a sonidos cotidianos, como podemos comprobar.

Charaa es el más antiguo de todos; originario de la región se utiliza en los cantos del Medej.

Agarrán recuerda una carrera de camellos.

El serbat es una especie de charaa más lento. Combina con prácticamente todas las gamas.

El bleida es un ritmo específico del baile que lleva dicho nombre. Muy majestuoso y potente.

Agassar o el corto, mezcla de agarrán y tgalfi.

Tgalfi, el el primer ritmo llegado del Africa Occidental. Recuerda el movimiento sinuoso de la serpiente.

Del dubka se dice que llegó con los españoles. Lo cierto es que admite combinarse con ritmos modernos como el reggae.

El medra acompaña las entradas de las gamas del haul y lo hace de una forma lenta y considerada.

Muchos de los bailes saharauis colectivos tienen un carácter narrativo, incluso hasta pedagógico, como la tuiza, con el que mimetizan distintas labores. Este signo comunitario deja paso en el baile solista, o de pareja, a una expresión más sensual, propia del juego galante.

Otros bailes están asociados a celebraciones populares, fiestas, bodas, y resultan más espontáneos y anárquicos, liberando una explosión de júbilo.

Los ritmos más utilizados son charaa, serbat, y bleida.

Percusión maghreb

TBILA
Instrumento de percusión. Original de Magherb. Tambien conocidos como Tam-Tam, Tambores.

Tambores minúsculos de arcilla y piel de cabra, parecen bongos, y se utilizan extensamente a través de la región de Maghreb.

 lghiwane jil jilala Mchaheb

HRAKS, KHARKHABA, KERKABOU

Instrumento tradicional marroquí. De hierro.

Largo: 29 cms.

 
KARIM ZIAD
El percusionista argelino, fundador del grupo Khindjar, es actualmente unos de los músicos más interesantes del Magreb. Sus incursiones en la música gnawa,  música religiosa animista y sanadora, que trajeron hace siglos al magreb los esclavos subsaharianos- de la mano del maestro gnawa marroquí  Hamid el Kasri.
Su faceta jazzística se afianzó cuando Karim Ziad estuvo de gira en 2.005 con Joe Zawinul, siendo el baterísta de la formación. Ha publicado tres discos en solitario.

Los Tambores Naqqarat
Pareja de tambores semiesféricos con el cuerpo de barro o cobre cubiertos con piel de camello. Son utilizados en la música culta, y religiosa. Los golpes dum se ejecutan en el tambor derecho y los tak en el izquierdo.
El intérprete está sentado en el suelo y utiliza dos baquetas.

Por el tamaño los mayores naqarya, se sujetan a ambos lados del camello, y los llamados naqrazan a los lados de un burro, para ir tocando mientras los animales marchan.
Estos instrumentos son muy utilizados en las procesiones.

Otros Instrumentos de Percusión

Sagat. Castañuelas de cobre que tocan bailarines y bailarinas en sus actuaciones públicas.
Sunug. Platillos que se utilizan en las prácticas religiosas
Shush. Chinchines o platillos de bronce que se ponen entre los dedos con cintas de cuero.

"panderos" árabes

Sonidos básicos 
LAYNE REDMOND

Mazhar
Instrumento de origen Egipcio similar al Riq  pero mucho mas grande, aproximadamente tiene 30 cm. de diámetro y 12 cm. de ancho, esta cubierto con un parche de cuero de cabra sobre un marco de madera que además lleva 8 pares de discos de bronce de 9 cm. de diámetro distribuidos de manera uniforme. 
El mazhar es muy utilizado en Siria y el Líbano, además de su país de origen. 

En la antigüedad este instrumento solo era utilizado en procesiones religiosas o en ceremonias matrimoniales, marcando en ritmo Zaffa. Es el único instrumento de percusión en donde el DUM se toca en los bordes y el TAK en el centro den instrumento.
Junto con el el Riq, Daff y el Ra son los encargados de realizar el ritmo de base, a fin de acompañar al Darbuka.
 

Bendir, Tar
Se puede llamar también tar, bendir, bodhran, deff, duff.
Instrumento de percusión típico de Marruecos y Argelia. Es una especie de tambor de 70 cm. de diámetro y 20 cm. de profundidad, compuesto por un marco circular de madera con un orificio al lado y cubierto por un parche de piel de animal, lleva 3 o 4 cuerdas bajo la piel que cruzan el fondo del tambor y producen una resonancia. El Bendir también suele ser adornado con símbolos u oraciones alusivos al Corán.

AVIAD BEN YEHUDA

GLEN VELEZ 

EL RIQ percusion árabe

RIQ

También llamado Daff o Adufe.
Instrumento de percusión árabe semejante al pandero, es un instrumento membráfono formado por un bastidor de madera cubierto por piel de cabra, pescado y en algunas ocasiones con piel de camello.
Tiene 20 cm de diámetro y 6 cm de alto.
Suele estar decorado con pintura a base de henna, está adornado con incrustaciones de nácar. 
Tiene 10 pares de sonajas de bronce, Sagats en árabe, de 6 cm de diámetro distribuidos uniformemente alrededor del marco. Contiene platillos metálicos en los costados.
También se le atribuye su uso a las ghawazee en sus danzas y cantos. 
Se utiliza en Egipto, Siria, Líbano, Iraq, Irán y Turquía.
El duff se constituye como el instrumento tradicional en el Líbano, por el cual se representa la poesía trovada conocida como Zajal. 

En la antigüedad era un instrumento exclusivo de las mujeres y era ejecutado en bailes y ceremonias religiosas, en cantos y danzas folclóricos.

El duff, es algo así como el director de orquesta, en tanto que dirige e indica los cambios de ritmos, sobre todo en las composiciones clásicas.

Hasta la mitad del siglo XX era común que el riq fuera el único instrumento de percusión en las orquestas pero a mediados de la década del 60 con la adición del Darbuka o la Tabla India y de otros instrumentos de percusión el riq fue perdiendo protagonismo.

Es utilizado en la música clásica árabe. Un ejemplo sos los temas musicales de la cantante egipcia Oum Kalthoum.

 
Técnica
El riq se sostiene con una mano la cual agita el marco a fin de hacer sonar las sonajas; con la otra mano se golpea el parche ya sea con los dedos o la palma. Los músicos más virtuosos juegan con los dedos tocando las sonajas y el marco del instrumento a fin de enriquecer aún más el ritmo como lo haría el darbuka.
Los dos sonidos principales son el Dum y el Tac y puede realizar el rtimo base para acompañar al darbuka o también improvisar y destacarse de los demás instrumentos de percusión.

DAVID HUCKHERMANN
Ha estudiado con profesores como Glen Velez, Behnam Samani, Ramesh Shotham y Ustad Fayaz Khan incorporando su estilo personal, incorpora técnica y ritmos de Iran, India, Egipto, Europa, Turkia y África.

Ha trabajado con  Omar Faruk Tekbilek, Dead Can Dance, Levent Yildirim, música medieval junto Cordatum, Ahmad Al-Khatib, Taner Akyol, the Pera Ensemble, Riadh Feri, the Sicily Philarmonic Orchestra, Raquy y the Cavemen, Cristina Braga, Bassam Sabam, Mishra y Susan and Martin Weinert.
Alguno de sus profesores han sido Ustad Fayaz khan y Ted de Jong (tabla india), Glen Velez (pandero), Siavach Yazdanifar (tonbak, daf), Ramesh Shotham (percusión india), Nils Fischer (latin percussion), Martin Drewer (percusión brasileña) y Wouter Swets (ritmos balcanos).

Aunque los parches de cuero de pescado o de cabra se valoran más por su sonido natural, el problema principal es que son muy sensibles a la humedad y pueden perder fácilmente su tensión y los músicos tenían que calentar sus riqs momentos antes de ejecutarlos.
A finales de la década de los 80 el parche del riq fue remplazado por una lámina de plástico similar a la utilizada en los parches de las baterías. Actualmente los riqs modernos cuyo cuerpo es fabricado en aluminio son armoniosos, y permiten que los parches sean sustituidos fácilmente. Hoy en día el mejor riq es fabricado por Kevork kazandjian en Líbano.

AVIAN BEN YEHUDA

http://www.vitorabudhiar.com/instrumentos.htm

Danza del vientre

Se desconoce el origen exacto de esta forma de baile.Algunas de las teorías existentes son:

• procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos.
• formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s region/es de origen.
• se había extendido gracias a las migraciones de los pueblos gitanos y de grupos similares, de origen indio. 
• las mujeres hacían esto como un baile a la luna, era un baile nocturno y dejaban su vientre descubierto para que les diera fecundación.
• Se cree que las danzas eran utilizadas en ceremonias rituales, en celebraciones por las cosechas, ritos de fertilidad, etc

Muy probablemente nació en Oriente Medio, Egipto, Líbano,  existen escenas de bailarinas en templos egipcios, así como de músicos con instrumento similares a los usados hoy..
La danza pasa al pueblo llano, siendo las bailarinas gitanas o gawazi las encargadas de difundirlas en sus caravanas nómadas.
Con la expansión del imperio árabe por todo el Norte de África, Sur de Asia y Sur de Europa, la danza se expande también, y va recibiendo influencias de los folklores de distintos pueblos.

Durante los años 40 y 50 del siglo XX se crean cabarets orientales en el Cairo, siendo muy famoso el de Badia Masabni.

Grandes nombre de la danza y también del cine son Samia Gamal y Tahia Carioca. Más tarde Suhair Saki, Nagwa Fuad, Fifi Abdu,…En la actualidad las bailarinas más conocidas del Cairo son: Dina, Randa Kamal, Soraya, Ismahan ...

SAMIA GAMAL

TAHIA CARIOCA

Tórtola Valencia, bailarina española, fue musa de pintores y poetas de la primera mitad del siglo XX español.
Nesma fué una bailarina española que triunfó en Egipto, fue primera bailarina del Sheraton Cairo y la única bailarina occidental en formar parte del ballet de Mahmoud Reda.

Históricamente, en la mayoría de los bailes vinculados a la danza oriental había separación de sexos; los hombres con los hombres y las mujeres con las mujeres. Hay pocas muestras de baile mixto.
El Dabke es un subgénero de esta danza en donde bailan tanto los hombres como las mujeres, tomados de las manos y zapateando en el piso, acompañado de fuertes palmas, gritos y cantos;  el Dabke es una danza familiar y tradicional, así que puede ser aceptada.

A lo largo de los años, se han ido incluyendo algunos elementos tradicionales para "adornar" este tipo de baile, como por ejemplo: velos, sable, bastón, velas, crótalos, alas de Isis, etc. Aunque esta danza suele ser femenina, también hay algunos bailarines varones.

Los “saggat” o crótalos son unos pequeños címbalos, diminutos platillos de bronce, que se que se anudan mediante tiras de cuero a los dedos pulgar y medio, los entrechocas entre sí, gesto similar al de pellizcar.

Ritmos de la música árabe usados en la danza del vientre
Hay diversos ritmos según el país y la región, y muchas bailarinas emplean varios: tawil, sherk, baladi, maksum, konga masri, rumba masri.

Músicos destacados de Darbuka

ITAMAR DOARI

Músico Israelí acompaña a Avishai Cohen.

DREBKA

 

MISIRLI AHMET

RAYMOND HAJJ

TONY ANKA
Ha nacido en Beirut, Líbano en 1972.
Su carrera empezó a los trece años, en el "Conservatorio Nacional Superior de Música".
Estudió Darbuka por 8 años ahora es profesor del mismo conservatorio donde estudió.
Es el vicepresidente de la "Unión de Músicos en Líbano" desde el año 2000.
Ha hecho grrabaciones y actuado con Najwa Karam, ha compartido escenario con Wissam el Amir, Dina Hayeck y Howayda entre otros.

RONY BARRAK

Nació en Líbano en 1971, empezó con la Darbuka a los 4 años a tocarla de manera intuitiva, apareció en la televisión por primera vez con 7 años, a los 17 años obtuvo una medalla de oro en un concurso de jóvenes músicos de la televisión LBCI.

Se translado a Londres en el 1990 donde estudió percusión orquestal. Se ha subido a un escenario con diferentes músicos tocando una gran variedad de estilos, música clásica, jazz, latina.

Gravó un disco con Sarah Brightman, haciendo una gira de 110 conciertos en un año.

Ha compartido escenario con Dave Grusin, Don Grusin, Patrick Leonard, Vanessa Mae, Bond, Jaz Coleman, Fairuz, Ziad Rahbani, Abboud Abdel Aal, Talvin Singh, Richard Galliano, Art Lande, Nelson Rangel, Alex Acuna, Ibraham Loberial, Derek Nash, Justo Almario, Oscar Neves, Cyrus Chestnut, Antonio Forcione, Eduardo Niebla, Ara Gevorgian, Arnie Roth etc

SAID EL ARTIST

Empezó en Alejandría a los 9 años. Ha trabajado con las mejores artistas de Egipto y de ciudades árabes. Admira la percusión tradicional, ha llagado a formar bandas con 50 percusionistas.

MOHAMED EL SAYED

Nació en El Cairo el 23 de Noviembre de 1979.
En 1995 empieza su aprendizaje en el Estudio de Danza Las Pirámides con el gran maestro Shokry Mohamed, Shokry Mohamed fue el precursor de la danza oriental en España hace 25 años.
En El Cairo continúa con su aprendizaje Sufí en la Escuela Tannura de la Mezquita del Sultán el Gurí, con el gran maestro Bondok el Asmar.
En sus estudios de percusión además de Shokry Mohamed hay que destacar a Khamis Henkesh: percusionista reconocido internacionalmente por su trabajo y su gran discografía.
Ha actuado como bailarín y percusioniosta en gran cantidad de países: Japón, Puerto Rico, Santo Domingo, México, Uruguay, Venezuela, Argentina, Chile, Brasil, Marruecos, Egipto, España, Francia... En solitario o acompañado por grandes bailarines egipcios como Shokry Mohamed, Mahmoud Reda, Raqia Hassan, Khamis Khenkesh o bailarinas españolas como Nesma, Nur Banu, Eva Chacón... entre otras.

KHAMIS HENKESH

Nacido en El Cairo es de una familia dedicada tradicionalmente a la Musica y al espectaculo, se considera una referencia dentro de la percusion Árabe.
Artista autodidacta compone, dirige e interpreta sus propias obras en todos los lugares.
Ha tocado para los mas prestigiosos músicos y bandas, asi como para destacadas bailarinas.

SETRAK SAKISSIAN

Sarkissian comienza su gira con la bailarina Nadia Gamal en 1958 hasta 1962, después empieza a tocar con Samira Toufik. Ha actuado con diferentes cantantes como Fairuz, Mouhamed Abdel Wahab, Farid El Atrash, Sabah Fakhri, Abdel Halim Hafez, Fayza Ahmed, Warda, Sabah, and Majida Roumi y balarinas como Fifi Abdou, Nagwa Fouad, Souher Zaki, Samara, Amani, Ranine, Noura, and Shahraman.
Continúa actuando, gabando y enseñando. Vive en Armenia donde imparte sus clases.

Ritmos básicos de Darbuka

DAVID HUCKHERMANN


AMIR NAOUM
Nació en una familia de músicos lo que le influenció para ser un percusionista profesional. Amir acudió al Studio al-Fann (The Art Studio) el más famoso conservatorio de música en Beirut, Líbano.
Amir Naoum ha actuado con frecuencia en New York en los mejores clubs Carnegie Hall, Town Hall, Lincoln Center, The Merkin Concert Hall.

Darbuka

La darbuka o derbake es un instrumento de percusión de origen árabe usado en todo el Medio Oriente. Perteneciente al grupo de los tambores de copa recibe el nombre de toballe en Palestina, zarb y dumbek o tombak.

Tiene dos sonidos principales: un sonido grave, dum, en la nota sol  y otro agudo tac, en la nota re. En  los redobles, harakat o tákatak, encontramos mas variedad de sonidos.

La darbuka es un tambor con un parche de PVC, en sus orígenes se usaba cuero de cabra o de pescado. Para el cuerpo (con forma de copa) se usa fibra de vidrio o aluminio fundido, para armar la caja de resonancia antiguamente se usaba greda o madera.
En la actualidad el derbake paso de ser un rustico instrumento de barro y cuero a un instrumento fabricado con técnicas modernas y adornados con lujosos dibujos e incrustaciones de nácar.
Los fabricantes más reconocidos en el mundo árabe son: Gawharet El Fan y Alexandría en Egipto, Emin Turkia y Kevork en Líbano, la firma Remo en occidente construye darbukas de muy buena calidad.



DARBUKA TURKA

Diámetro: 22cm
Alto: 40 cm
Peso: 2 kg
El borde o labio permite las técnica de ruptura de dedo que no son posibles en la darbuka egipcia.

El parche va sujeto con aro de Aluminio de seis tornillos, que a su vez se utilizan para afinar.





DARBUKA EGIPCIA

22 cm (ø del parche) x 41 cm altura.
Con el aro de amarre el diámetro es 25 cm ø.
Su nombre proviene de “darba” que significa golpe.

Existen diferentes modelos según su procedencia:
De cerámica (del Norte de África)
Aluminio con barro (Egipto)
Madera (Túnez).
Cobre y Aluminio (Turquía).







El Darbuka se fabrica en tres tamaños: el clásico, el Sombati que es intermedio y el Dohola que es el más grande de los tres.

Para ejecutar la darbuka se  coloca bajo el brazo izquierdo, sobre la pierna, siendo la mano izquierda la que ofrecerá los agudos y la derecha los graves y agudos, pudiendo haber variantes, la técnica en los dedos es imprescindible para tocar este instrumento.

Aunque parezca increíble se puede conseguir una gama de tonos bastante amplia, destaca su uso en países como Egipto, Líbano, Siria o Turquía.

El origen de la darbuka se remonta a la antigua Babilonia, pero se ha extendido ampliamente, llegando incluso hasta los Balcanes y el norte de África. En la música árabe es uno de los instrumentos más utilizados.





CÓMO CAMBIAR EL PARCHE A LA DARBUKA
Darbukas con aro y afinación con tornillos.

• Alinear el aro en la misma posición que estaba poniendo un trozo de adhesivo en el aro y otro tozo alineado con el anterior en el cuerpo de la Darbuka.
• Aflojar los tornillos de forma equilibrada en todos los puntos después quitamos el aro y el parche viejo.
• Después ponemos el aro de manera que cooincida con su posición inicial.
• Insertamos los tornillos y los apretamos poco a poco hasta conseguir la afinación adecuada.
• Para una correcta afinación  siempre apretamos un tornillo y después el de enfrente, como si trazáramos una estrella, la tensión del parche y nuestro oido es lo que mide la afinación de la darbuka.